6 Høydepunkter i Amsterdams Stedelijk Museum

Stedelijk Museum Amsterdam (Juli 2019).

Anonim

Stedelijk Museum i Amsterdam er hjemsted for verk av noen av de mest kjente artister fra 19, 20 og 21 århundre. Selv om museet selv er ganske lite, er størrelsen og kvaliteten på sin samling sikker på å imponere moderne kunstelskere. Følgende er seks kunst av de beste utstillingene, ikke å gå glipp av.

The Oasis of Matisse Utstilling

The Oasis of Matisse, som løper til 16. august, er den største utstillingen av den franske kunstnerenes arbeid som er samlet i Nederland. Samlingen sporer hele løpet av Matisse's karriere, fra hans tidlige eksperimenter med impressionisme til hans banebrytende av den kontroversielle Fauvist-bevegelsen, og hans senere utklippte komposisjoner. Mens Matisse's samtidige kan ha blitt sjokkert av sin anti-representasjon stil og sin dristige bruk av farger, feires Matisse i dag for den rene naive livligheten, harmonien og kromatisk frihet som forener hans landskap, portretter, interiør og orientalske nakenbilder. Kuratorene bestemte seg for å integrere maleriene med Stedelijk-museets egen faste samling, noe som skapte slående sammenligninger mellom Matisse og kunstnerne som påvirket ham, som Cézanne og Van Gogh, og de han ville inspirere, inkludert Mondrian og Newman. Den monumentala papirutskytningen Parakitten og havfruen (bildet ovenfor) ble kåret til besøks favorittstykke og bør ikke (og sannsynligvis ikke) bli savnet.

Robert Delaunay-Formes Circulaires, Soleil, Lune 1912

Delaunay tok Matisses kjærlighet til levende farger enda lenger ved å forfølge en nesten akademisk fiksering med kromatik. Delaunay trodde at fargen var alt som var nødvendig for billedlig uttrykk og struktur og forsøkt å bringe den tilbake til den kunstneriske formen som svar på de mer dempet komposisjonene som ble gjort av hans kubistiske samtidige. Denne abstrakte maleriet brenner fantasien, fanger essensen av varmen fra sollys og nattens kjølighet gjennom bruk av kontrasterende farger alene, og de virvlende former gir maleriet en følelse av palpabel dynamikk og bevegelse. Formulerer Circulaires kan bli verdsatt på et rent estetisk nivå for sin flyt og vitalitet, men for Delaunay handlet hans arbeid om å fremkalle en visjon av naturen med farge som nøkkelen til oppfatning.

Piet Mondrian-Sammensetning nr. III med rød, gul og blå 1927

Hvis Delaunay var interessert i dynamikken i farger og former, var Mondrian opptatt av å skape en følelse av total likevekt og harmoni gjennom bruk av primærfargene og rette linjene. Dette maleriet belyser etos av kunstnerens stil de Stijl (stilen) som håpet å skape en ny utopisk orden av renhet, balanse og absolutt enkelhet etter ødeleggelsen av den store krigen. Som svar på menneskets skrøbelighet som ble utsatt for krigen, begynte Mondrian og hans samtidige å dekonstruere kunst slik at alt som var igjen var universell og evig stabilitet av farger og linjer. Stedelijk Museum er også vert for en rekke andre stykker av Stijl kunst og design, inkludert prototypen til Rietveld's de Stijl House, som alle ble grunnlagt på plattformen at primærfarger og stiv geometri kunne stimulere transcendent følelse.

Barnett Newman Cathedra- 1951

Som Mondrian før han, hengte Newman enkle, primære farger med forestillinger om sublimitet og perfeksjon. Newmans kunst er preget av en intellektualisme som er typisk for den abstrakte ekspresjonistiske bevegelsen, som han var en del sammen med Jackson Pollock og Mark Rothko (som også heter Untitled på Stedelijk), i slutten av 1940-tallet og tidlig på 1950-tallet. Neman hevdet at kunst ikke lenger kunne være vakker etter horrors of WWII - det kunne bare være seriøst, sublimt og engasjere seg med en følelse av terror og tomrom igjen av dette mørke kapitlet av menneskeheten. Cathedra er et eksempel på et fargefeltmaleri: et enkelt, flatt fargeområde uten tegn på malerens merke. Seeren er igjen for å interagere med arbeidet, ubeveget av detaljer og kunstnerens tilstedeværelse. Newman ønsket at seerne grep på ideen om uendelighet og å anerkjenne sine egne eksistensielle bekymringer, angitt av linjen som skjærer gjennom fargen, som Newman definerte som skremmende bevisstgjennomførelser.

Andy Warhol-Bellevue II, 1963

I 1960-tallet lanserte Andy Warhol et angrep på det han så de elitistiske forestillingene om abstrakt ekspresjonisme. Han så på å fjerne kunst fra sin intellektuelle elfenbenstårn og bringe den inn i hverdagen. Dette bildet av en pasient ved Bellevue Asylum som hadde begått selvmord, trykket fjorten ganger på lerretet, presenterer uforsonlig død - ikke som noe abstrakt eller filosofisk, men som et usensialt faktum i livet. Warhols varemerkeprosess for repetisjon representerer modernitetens kommodifikasjon av individets verdi. Gjennom dette mønsteret viser Warhol cynisk hvordan massemedia har ført til desensibilisering av publikum og har distansert oss fra å ha empati med fagene. I stedet for å vurdere de tragiske omstendighetene der denne pasienten døde, forvandler Warhol oss til obsessive voyeurs av dette bildet av døden. Bellevue II er et virkelig foruroligende og provoserende mesterverk.

Nam juni Paik-TV Buddha, 1974

Nam June Paiks installasjon av en 18. århundre skulptur av Buddha plassert overfor et kamera og skjerm, som Warhol, undersøker forholdet mellom berømmelse, forfengelighet og mening. Buddha-statuen, som tilsynelatende stirrer på seg selv på skjermen, hint på det altforbrukkende fenomenet narcissisme i denne tiden av fjernsyn, der ingenting har blitt hellig eller uberørt av media. Alle, selv Buddha, et symbol på ascetisk levende, vil bli sett. Installasjonen tar lekfullt denne ideen videre - i visse vinkler fanger kameraet besøkende og forvrenger perspektivet slik at han eller hun ser ut til å være det sentrale fokuset på skjermen. Den besøkende blir en del av selve kunstverket, og Paik synes å trodde oss ikke å nyte vår egen følelse av selvbetydning mens vi nyter vår flyktige øyeblikk av tv-berømmelse.